在剧场艺术蓬勃发展的今天，北京舞台美术设计邀请展每四年一次集中展示舞台上的创造成果，不仅可以让观众更多了解演出幕后的隐秘，向专家呈现这门特殊艺术的最新美学走向，给未来留下具有文献意义的记录，亦可使我们在忙碌的工作中得以进行必要的回顾和思考。
  刚刚过去的改革开放四十年纪念，使我们重又记起1980年代多样化舞台美术形式的探索。那一代艺术家的努力证实，舞台从来都是一个与现实对应的世界，而不是现实本身。在这方面，国外现代戏剧和中国传统戏曲的时空表现形式，也给我们留下了极好的启示。从舞台现状看，对这一观念的深入认识虽然并非直线递进，但仍是大多设计师们的明确选择。
  随着社会格局的开放，中国舞台美术家的艺术视野变得开阔，进而开始深入思考自身的创作立场。新世纪以来，舞台美术在多样化基础上，进一步追寻创作的文化根基与形式语言的源头，自觉探求本土美学遗产与当代世界语境的结合点。并且取得了有价值的成果。在这次展出的不同形式作品中，都可以看到这种追求。未来提升的空间在于，设计方法的当代性和知识结构上与世界同行的对等。
  尽管从戏剧综合性特点而言，不应孤立强调舞台美术的重要。但回顾近几十年的中国戏剧发展过程，一个经常被提及的说法是“舞台美术走在了前面。”这一说法并非来自舞美界，而是德高望重的导演前辈。近四年的舞美案例明显有此特点。应该补充的是，之所以走在前面，一定不是依靠表面的装饰效果，或者仅仅所谓“视觉冲击力”，而是舞台美术对于特定演出文本的视觉空间阐释，对于演员动作前所未有的重视，在很大程度上影响到了导演处理或整个演出的形式。因而在以导演为主的集体合作中，有了更积极的主动性。无论是否有直接关联，这一现象与上世纪后期以来世界范围的“视觉剧场”（Theatre of Images）运动，“动作舞台设计”（Action stage design）理论，“舞美作者”（Scenographer as author）和“视觉戏剧构作”（Visual Dramaturgey）的提法以及“演出设计”（Performance design）概念是同步的。
  由于离开了演出现场，对于舞台美术展览的疑虑几乎一直伴随着世界上大大小小的舞美展，然而，戏剧演出的生命过程消失了，它的思想内容能够留存; 它的形态再无法在时间中显示，却可以在空间中呈现; 喧闹的剧场人去楼空，它的社会根源和精神构成仍在。舞台设计师在展厅里提供的景观，甚至比舞台上更集中和强烈。因为剧场条件的缺失似乎使展览中的舞台美术产生了一个悖论，反而会激发观众以想象补足其中的上下文，形成传达与接受之间的张力，这也是我们这类舞台美术展的深层价值所在。